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Las cuatro palabras podrían definir la realización En este cosmos loco, en esta noche brillante, que dirige Nayla Posse sobre el texto de la dramaturga brasileña Silvia Gómez.
La sinopsis de la realización balance que mientras los aviones despegan y aterrizan en diversas partes del cosmos, la rutina de la vigilante del KM 23 se ve alterada por la presencia de una chica delirante que yace en la pista después de haber sido agredida sexualmente en una noche estrellada. Humor, dolor, poesía, sacudón.
Con las actuaciones de Daniela Flombaum, Carolina Saade, la realización aborda la violencia física y sexual hacia las señora desde una perspectiva que resulta amorosa y cotidiana.
El contexto de inminente peligro configura una intensidad teñida por guiños de humor y una profundidad que conmueve.
“La realización habla de la violencia hacia las señora, pero incluso de la resiliencia, de la empatía, del cuidado, de la amistad. No había lugar a ningún espacio de revictimización ni de golpe bajo. Todo el contenido que se desprende de estos temas me parece vital, pero lo que más me interesó fue como estaban abordados.
En la realización misma parece latir la pregunta: ¿cómo vamos a hablar de esto?”, explica a Tiempo Argentino, su directora Nayla Posse. Esa postura del material me permitió habilitar, muy pronto, cierta libertad emocional para ver qué nos pasaba en los ensayos con el materia. “Fue una sensación contundente, que abarcó desde lo intelectual hasta la visceral”, agrega.
balance que cuando leyó la realización le resultó conmovedora.
¿Como vamos a hablar de esto sin que sea de una pesadez insoportable? ¿Qué aspectos éticos, afectivos, poéticos vamos a convocar para que esta realización no sea un yunque, pero, a su vez, trate el materia con respeto? Pero Silvia Gómez, no sólo es una intelectual, incluso es una poeta.
-¿Qué te atrajo de este texto para llevarlo a escena?
–A mí me tocaba ver cómo abordar el materia con los lenguajes de la escena. Eso me permitió enfocarme, antes que nada, en la actuación.
Así que, en sus textos, dejó abierta la puerta para que pudiera entrar esa humanidad tan necesaria para el abordaje del material.
Y tiene otro registro que parece interpelar a la propia ficción, un registro más cercano a lo que llamamos realidad. Además, el texto tiene un registro muy clásico, en donde se balance una historia. Es una realización muy potente para actuar, compleja, con mucho para exprimir.
Este diálogo no persigue quebrar el universo ficcional sino cargarlo de otras texturas.
La música logra decir mucho de lo que las palabras no dicen. Y incluso la invitación a trabajar un universo sonoro y musical. Eso me interesó mucho. Sebastián Schachtel, el compositor, creó una dramaturgia sonora que es una especie de andamio en el que se levanta y expande la sensibilidad de la pieza.
La realización comienza con un abuso sexual.
–¿Qué desafíos tuviste a la hora de ponerlo en escena?
-Lo más complejo fue el comienzo. Fue la escena más difícil de montar, porque la decisión que tomara iba a fundar algo muy importante en la realización. Es la escena que más veces pasamos y con la que más pruebas hicimos, seguimos tocando cosas hasta el último ensayo.
Realmente fue un desafío. Probamos de todo e íbamos testeando entre nosotrxs la temperatura que eso generaba.
Otro de los grandes desafíos fue el tiempo. Una vez que el equipo estuvo completo, lograr que el material madure a tiempo fue un reto.
Tenía una idea clara de poner en primer plano la actuación y de trabajar en una zona de honestidad radical, pero había que estar bien alerta para no perdernos de lo que el presente nos iba arrojando, de ver cuanto funcionaban las pruebas.
-¿Qué te interesaba mostrar del encuentro entre estas dos señora?
-Todo lo que fuera posible. Me interesa hacer foco en la sensibilidad como una forma de fortaleza, en la capacidad empática que habita en lo femenino, en la resiliencia, en las prácticas de cuidado, en la infinita creatividad que recorre los vínculos, en la complicidad y incluso en las contradicciones. El equipo respondió de maravilla, nos tiramos de cabeza desde el primer ensayo.
Siento que esa pregunta nos lleva a una revisión constante, que nos mantiene despiertxs, fuera de las identidades normativas. Entonces, de este encuentro me interesaba enaltecer toda la fuerza vital que se hace presente en lo vincular. Me interesa la relación con lo afectivo, con los procesos y me interesa, en general, la pregunta por él “como”. Creo que en esa vitalidad hay una resistencia genuina al capitalismo, porque justamente lo creado, en este caso, no se puede apresar.
La empatía, la ternura es todo lo que el sistema no puede apresar, es lo que se fuga y por tanto es, de alguna manera, lo que lo resiste. Me interesaba radicalizar la sensación de honestidad que me provocó la realización.
-La realización tiene una mirada y una construcción poética muy profunda, ¿cuál fue el trabajo que debieron realizar para lograrlo?
– El primer trabajo fue escuchar lo que la realización tenía para decirnos Y, después, estar al acecho de todo lo vivo que pudiéramos producir.
La violencia es producto del sistema, es la segregación más nefasta del capitalismo y el patriarcado.
Para mí, pocas cosas son tan reales como las que pueden pasar en un escenario. El teatro produce en sí mismo un efecto de verdad singular. En el teatro todo se resignifica (un intérprete actúa un papel, el escenario es otro espacio, las luces son artificiales), se pone a prueba el principio de identidad. En este lineamiento se trabajó la puesta, en la relación con la verdad con no aparentar, con no fingir.
Es una convención que nos contiene de una manera que considero cercana, necesaria para abordar el materia. Lo que Alain Badiou llama: una verdad-teatro, que no existe en ningún otro lugar que no sea en el escenario.
Quería trabajar esa verdad lo más desnuda que pudiera. Siento que esa verdad nos acerca para tratar este materia, nos permite auscultarlo, diseccionarlo, intervenirlo juntxs.
La realización en toda su crudeza tiene algo luminoso, que las actrices captaron muy bien. El materia llega por la crudeza y es demoledor, pero incluso la gente se ríe, a veces con timidez, porque les da vergüenza… ¡Si supieran todo lo que trabajamos para intentar que se rían! Nos hace bien que se rían, nos ayuda a exorcizar lo doloroso del materia y no por eso le sacamos importancia. Ellas recorren un abanico de emociones extraordinarias.
-¿Cómo impacta en el público la temática y el abordaje en esta realización?
-Los comentarios que me llegan son muy amorosos, alentadores y emocionantes.
A veces, la gente se pone a hacer palmas en el último materia, y eso a mí me emociona mucho. Algo que celebro enormemente es que mucha gente me viene diciendo que se queda “arriba”, como encendida, con ganas de gritar, de bailar o de cantar a coro la canción final.
La realización se funda en el horror, pero estamos vivas y nos tenemos, Me parece importante gritar por nosotras y por todas las que no están, y en ese grito hay complicidad, hay apoyo, hay equipo. Siento algo así como de ritual, de comunidad, como si juntxs pudiéramos dejar afuera la crueldad del cosmos.
En este cosmos loco en esta noche brillante se presenta todos los domingos de mayo y de junio a las 20 en el teatro Dumont 4040, Santos Dumont 4040
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